레오나르도 다빈치(Leonardo da Vinci)

 

자화상(Self-Portrait) - Leonardo daVinci

르네상스 시대를 대표하는 세 거장, 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로 부오나로티, 라파엘로 산치오는 예술사에 길이 남을 업적을 남겼습니다. 특히, 레오나르도 다빈치의 이름은 흥미로운 유래를 지니고 있습니다.

다빈치는 성(姓)이 아닌, 그가 태어난 이탈리아의 작은 마을 '빈치(Vinci)'에서 비롯된 지명입니다. 따라서 '레오나르도 다빈치(Leonardo da Vinci)'는 '빈치 출신의 레오나르도'를 의미합니다.

미켈란젤로와 라파엘로는 그들의 뛰어난 예술적 명성 덕분에 주로 이름으로 불리는 반면, 레오나르도는 '다빈치'라는 지명이 그의 대표적인 호칭으로 자리 잡았습니다. 이는 레오나르도 다빈치라는 이름이 하나의 고유명사처럼 굳어져 오늘날까지 이어져 오는 현상입니다.

The three great masters of the Renaissance—Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, and Raffaello Sanzio—left an everlasting legacy in art history. Among them, the name of Leonardo da Vinci carries an interesting origin.

Unlike a surname, da Vinci is a geographical reference, indicating that Leonardo was from the small Italian town of Vinci. Therefore, Leonardo da Vinci literally means "Leonardo from Vinci."

While Michelangelo and Raphael are primarily referred to by their first names due to their immense artistic reputation, Leonardo is widely recognized by the name "da Vinci." This is because Leonardo da Vinci has become a distinct and iconic name, solidifying its place as a proper noun throughout history.

모나리자(Mona Risa) - Leonardo daVinci

그 미묘한 미소는 과연 웃고 있는 것인지 아닌지조차 헷갈릴 정도입니다. 일반적으로 알려진 바에 따르면, 모나리자의 모델은 피렌체의 비단 상인 프란체스코 델 조콘도의 아내, 리자 델 조콘도라고 하지요. 하지만 다빈치는 이 그림을 평생 지니고 다니며 수없이 덧칠을 거듭했고, 결국 원래 모습과는 상당히 다른 작품이 되었다고 합니다.

모나리자를 기술적으로 분석한 연구에 따르면, 이 작품은 윤곽선이 거의 보이지 않을 정도로 부드러운 색조 변화가 특징입니다. 얼굴을 확대해서 보면 색의 경계를 명확히 구분할 수 없을 만큼 자연스럽게 이어지는데, 이를 ‘스푸마토(Sfumato)’ 기법이라고 합니다. 서양 회화에서 중요한 두 가지 요소가 원근법과 음영법이라면, 스푸마토는 바로 음영법의 극치라 할 수 있습니다.

이 기법은 유화 물감이 등장하면서 가능해졌습니다. 유화 물감은 얇게 여러 번 덧칠할 수 있으며, 마른 후에도 다시 덧칠이 가능하다는 특징을 지니고 있습니다. 다빈치는 이러한 장점을 최대한 활용했고, 과학적 분석 결과 최소 스무 번 이상 덧칠을 반복한 것으로 밝혀졌습니다.

모나리자가 세계적으로 유명해진 이유 중 하나는 그것이 종교화가 아니라는 점도 큽니다. 당시 르네상스 시대의 회화는 대부분 성경을 주제로 한 것이 많았지만, 모나리자는 한 평범한 여성을 그린 것으로 알려져 있습니다. 또한, 미완성 작품이라는 의견도 있습니다. 오랫동안 다빈치가 직접 소장하고 있었으며, 비교적 작은 크기 덕분에 틈날 때마다 덧칠을 하면서 수정해 나갔기 때문이지요.

현재 모나리자는 프랑스 파리의 루브르 박물관에 소장되어 있습니다. 실제 크기는 77cm × 53cm로, 의외로 작다는 점에 놀라는 사람들이 많다고 합니다.

That subtle smile is so enigmatic that it is difficult to determine whether she is truly smiling or not. According to widely accepted accounts, the model for Mona Lisa was Lisa del Giocondo, the wife of Florentine silk merchant Francesco del Giocondo. However, Leonardo da Vinci carried the painting with him throughout his life, repeatedly adding layers of paint, ultimately transforming it into a work significantly different from its original form.

Technical analyses of Mona Lisa reveal that the painting is characterized by extremely soft transitions of color, to the point where distinct outlines are almost imperceptible. When magnified, the colors blend so seamlessly that their boundaries become indistinguishable. This technique is known as sfumato, a hallmark of Leonardo’s artistry. In Western painting, perspective and chiaroscuro (the use of light and shadow) are considered fundamental elements, and sfumato represents the pinnacle of chiaroscuro techniques.

The advent of oil paint made this technique possible. Unlike other mediums, oil paint allows for thin, multiple layers to be applied, with the ability to add more layers even after the previous ones have dried. Leonardo mastered this advantage, and scientific research has shown that he applied at least twenty layers of paint to achieve the final effect.

One of the reasons Mona Lisa became globally renowned is the fact that it is not a religious painting. During the Renaissance, most artworks depicted biblical themes, whereas Mona Lisa is believed to be a portrait of an ordinary woman. Additionally, some scholars argue that the painting remains unfinished. This theory stems from the fact that Leonardo kept the painting in his possession for many years, continuously modifying and refining it, facilitated by its relatively small size.

Today, Mona Lisa is housed in the Louvre Museum in Paris, France. Its actual dimensions are 77 cm × 53 cm, which surprises many viewers who expect it to be much larger.

세례자 요한(Saint John the Baptist) - Leonardo daVinci

이 작품은 ‘세례자 요한(Saint John the Baptist)’ 입니다. 다빈치가 총애하던 제자 살라이를 모델로 삼아 그렸다고 전해집니다. 하지만 살라이는 성품이 썩 좋지 않았다고 하지요. 손버릇이 나빠 다빈치의 물건을 몰래 가져가기도 했고, 거짓말도 예사로 했다고 합니다. 게다가 그림 실력마저 뛰어나지 않았다고 하니, 다빈치가 그와 함께하며 적잖이 곤혹을 겪었을 것 같습니다.

그럼에도 불구하고, 다빈치는 살라이와 30년간 동거했고, 심지어 그에게 ‘모나리자’ 를 상속하려 했다고 전해집니다. 흥미로운 점은 살라이의 얼굴이 모나리자와 묘하게 닮아 있어, 이를 둘러싼 여러 추측과 의혹이 제기되었다는 것입니다. 그러나 이에 대한 명확한 해답은 없습니다.

결국, 이 모든 것은 상상에 맡길 수밖에 없습니다. 설령 과거로 돌아가 다빈치에게 직접 물어본다 해도, 그가 친절하게 모든 의문을 풀어주지는 않았을 것입니다. 어쩌면 우리가 궁금해하는 것들은 그의 지극히 개인적인 프라이버시일 수도 있으니까요.

한편, 당시 미켈란젤로와 다빈치는 남성들과의 관계에 대한 소문이 더 많았다고 합니다. 흥미롭게도, 르네상스 3대 거장 모두 결혼을 하지 않았다는 점도 주목할 만한 사실입니다.

This painting is Saint John the Baptist. It is said that Leonardo da Vinci used his favored disciple, Salai, as the model for this work. However, Salai was known for his less-than-exemplary character. He had a habit of stealing Leonardo’s belongings and was prone to lying. Furthermore, he was not particularly skilled as an artist, which likely caused Leonardo considerable frustration during their time together.

Despite this, Leonardo lived with Salai for 30 years and even intended to bequeath Mona Lisa to him. Interestingly, Salai’s face bears a striking resemblance to that of Mona Lisa, fueling various speculations and theories over the years. However, no definitive answer exists.

In the end, these mysteries are left to the imagination. Even if one could travel back in time and ask Leonardo directly, he would not necessarily provide clear answers. After all, the questions we ponder may have been deeply personal aspects of his private life.

Meanwhile, both Michelangelo and Leonardo were surrounded by rumors of relationships with men. Interestingly, all three great masters of the Renaissance—Leonardo, Michelangelo, and Raphael—never married, which remains a noteworthy detail in their histories.

최후의 만찬(The Last Supper) - Leonardo daVinci

산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당에 그려진 레오나르도 다빈치의 '최후의 만찬' 은 복원된 후의 모습입니다. 일반적으로 벽화는 프레스코 기법으로 제작되지만, 다빈치는 프레스코의 수정 불가능한 특성 때문에 템페라 기법을 사용했습니다. 달걀을 이용한 템페라 기법은 습기에 취약하여 시간이 지남에 따라 그림이 심하게 훼손되었습니다.

다빈치의 실험 정신은 그의 다양한 인체 해부도나 헬리콥터 설계도 등에서 엿볼 수 있듯이 그의 천재성을 보여주지만, 작품 보존에는 걸림돌이 되었습니다. 훼손된 '최후의 만찬'을 복원하기 위해 전통적인 장인의 기술과 최신 복원 기법이 동원되었으나, 완전한 복원은 불가능했습니다.

피렌체 시청사 베키오 궁전 벽화 제작에서도 다빈치는 새로운 기법을 시도했지만, 유화 물감이 흘러내리는 등 실패를 겪었습니다. 결국, 이 작품은 미켈란젤로의 제자 조르조 바사리가 마무리했습니다.

다빈치는 끊임없는 호기심과 실험 정신을 지닌 천재였지만, 동시에 책임감이 부족한 모습을 보이기도 했습니다. 걸작으로 인정받던 '최후의 만찬' 의 복원 실패나 계약금을 받고도 작업을 중단하는 등의 행적은 그의 복잡한 면모를 보여줍니다. 그의 초상화에서 풍기는 괴팍하고 고지식한 노학자의 이미지는 단순한 편견일 수도 있지만, 그의 실험적인 시도가 예술사에 남긴 빛과 그림자를 동시에 보여주는 듯합니다.

Leonardo da Vinci’s The Last Supper, painted in the dining hall of the Santa Maria delle Grazie monastery, appears today in its restored form. While fresco technique was commonly used for wall paintings, Leonardo opted for tempera due to the fresco’s inability to be modified once dried. However, tempera, which involves the use of egg-based pigments, proved highly vulnerable to moisture, leading to severe deterioration over time.

Leonardo’s experimental spirit, evident in his anatomical sketches and helicopter designs, showcased his genius but also posed challenges for the preservation of his works. Despite employing both traditional craftsmanship and modern restoration techniques, fully restoring The Last Supper was ultimately impossible.

During his commission for a mural at the Palazzo Vecchio in Florence, Leonardo once again attempted an innovative painting technique, only to face failure as the oil paint began to run before the work was completed. Eventually, the piece was finished by Michelangelo’s disciple, Giorgio Vasari.

Leonardo was a relentless innovator and a true genius, yet he sometimes exhibited a lack of responsibility. His abandonment of projects despite receiving commissions and the irreversible deterioration of The Last Supper, despite its recognition as a masterpiece, reflect his complex nature. While his portrait may suggest the image of an eccentric and stubborn old scholar, this perception may be merely a stereotype. Ultimately, his experimental endeavors highlight both the brilliance and the challenges he left behind in art history.